作者：Damur Huang ( #DAMUR)
編輯：Chat GPT 4o
封面圖來源：知新聞
近日，遠東集團董事長徐旭東在公開場合希望贈送 NVIDIA 創辦人黃仁勳一件可調節溫度的高科技夾克，並當眾建議他捨棄那件「老派」皮衣，換上更「符合未來氣候與科技精神」的衣著。這場看似親切的致贈，卻意外引發網路熱議：有人看見「新錢」對「老錢」的審美教條，有人看到對身材與風格的尷尬批評，更有人一語道破：這不過是產業思維錯位的縮影。
事實上，這場「皮衣 vs. 高科技夾克」的對話是兩個命題、兩種需求與兩套審美的交叉點。可以說是答非所問、張三李四，他們根本不在同一條線上。
這場錯位的交鋒，何嘗不是臺灣時裝與紡織產業長年困局的象徵？我們擁有全球數一數二的機能布料與技術專利，卻始終無法把「科技」說成一個動人的故事，做成一件讓人想穿的衣服。
1. 兩種審美的角力：風格 vs. 功能
1-1 黃仁勳的皮衣
這不只是一件衣服，更是一種身份宣示。皮革的厚實與俐落剪裁，傳遞出創業家的硬派形象，也是對自我風格的堅持。他選擇穿皮衣，不是因為科技不夠先進，而是因為這件外套讓他「看起來就是他自己」。
1-2 徐旭東的科技夾克
這是一件功能性強、代表永續與科技技術的外套。它能調節溫度、防風防潑水，採用台灣最頂尖的紡織科技。徐董事長認為：「不論美不美（適不適合你），實用與創新才是未來的答案。」
兩種審美碰撞的不只是外表，而是兩種對「穿著價值」的思考：前者從個人風格與文化敘事出發，後者從技術規格與產業驅動出發。偏偏台灣產業長年選擇後者，誤以為擁有一塊「最新布料」就能引領全球潮流，卻忘了——時尚從來不是一場實驗室競賽，而是一場感性的對話。
2. 臺灣紡織產業的窘境：創新不是變魔術
臺灣的紡織業以技術導向著稱，全球許多機能布料的專利與產能都來自這座島嶼。然而，這樣的技術優勢並未自然轉化為設計競爭力或市場吸引力。原因在於，創新往往被誤解為一種「新奇性」，而非「可用性」與「文化連結」。
許多紗線與布料研發專案，雖然在測試報告中表現亮眼，卻難以轉化為市場需求明確、設計端願意採用的實用材料。舉例來說，一款擁有紅外線反射功能與藍牙感測的布料，若無法提供穿著舒適性、無法被加工成型、成本過高或無明確應用場景，即便技術再前衛，也只能淪為展覽樣品。
作為設計師，我們追求的不是布料本身多「聰明」，而是它能否被理解、被穿上、被認同。創新的關鍵，不是功能表多麼華麗，而是這些功能是否解決真實的穿衣問題。好的材料，應該讓人一穿上去就知道：「這就是我需要的。」
遺憾的是，目前的研發節奏常以「兩三年為週期」，未能留給產品轉化與使用端足夠時間磨合，導致大量技術停留在概念階段或倉儲空間，而非進入生活現場。此外，研發流程往往缺乏與設計師、品牌方的早期對話，布料從一開始就未能考量造型需求、縫製限制、時尚語彙等要素，使得技術成果難以走向時尚應用鏈的後端。真正有影響力的材料創新，應該像建築裡的好結構：不是因為它「炫」，而是它默默支撐起整體敘事、風格與使用者經驗。技術應該是設計語言的一部分，而非獨立存在的主體。
總結而言，臺灣紡織產業面臨的問題，不是「沒有技術」，而是「缺乏轉化技術為風格與市場語言的能力」。當創新只停留在實驗室，而無法延伸至穿著者的情感經驗與文化定位，那麼它終究只是高科技原料，而非未來生活的關鍵部件。
3. 從臺北時裝週看出台灣市場與政府的盲點
自2019年啟動品牌轉型以來，臺北時裝週致力於打造「亞洲永續時尚高地」的形象，並嘗試整合產業鏈、文化政策與設計人才。但從實際運作觀察，理想與現實之間存在明顯落差。雖然活動場次密集、橫跨多個城市場域，但整體缺乏主軸敘事與觀眾引導，導致觀展體驗零碎、不易聚焦。
3-1 評審邏輯失焦、制度透明度待加強
臺北時裝週目前的評選傾向量化與制度化，包含：是否使用永續材料、文化符號明確度、市場規模潛力等指標。然而，設計本質上的敘事性、風格語彙與觀念實驗，卻未被有效納入評估框架。「作品的報告與簡報品質，似乎比實體衣服更重要。」這種過度格式化的評分邏輯，逐漸讓創意與風格讓位於行政流程。
更令人憂心的是，近年曾出現評選作品涉嫌抄襲國際品牌之爭議，雖引起業界批評，卻未見主辦方進行具體制度檢討與後續資訊公開。這樣的事件動搖評審機制的公信力，也打擊年輕品牌參與的意願。
3-2 世代資源錯配，創作者找不到舞台
目前的資源分配仍明顯傾向大型紡織企業與供應鏈主體。這些組織擁有完整的產學平台與政治能見度，因此在補助申請與曝光上相對容易。反觀具備文化觀點與創作潛力的新銳設計師，若缺乏量產規模或產值報表，便難以獲得進入主舞台的機會。「你的企劃沒有商業化理論及供應鏈（錢）規模支撐，就等於沒有資格申請補助。」
結果是，資金與行銷平台多集中於熟面孔、大品牌與標案熟手手中，小品牌則被迫轉向市集、快閃展演、自籌資源苦撐。這不只扼殺多元，也加劇風格發展的斷層。
3-3 創新過度技術導向，敘事力持續下滑
近年臺北時裝週明顯導入更多「在地文化」、「科技」與「功能性」素材，包含環保纖維、智慧感測與永續標章等元素。但這些材料若缺乏對應的設計敘事與穿著場景，就淪為展示規格的資訊表。常見一場秀中，十餘件服裝快速上台，觀眾記不住任何角色、也無情緒連結，只留下「這件布很亮很花、造型剪裁很誇張」的單一印象。
時裝應該是穿在身上的故事，而非科技樣品的延伸台。當時裝週只強調機能與規格，而忽略造型、風格與文化的整合力時，這場活動便無法轉化為真正的文化平台。臺北時裝週若真要走向國際，不該只比技術門檻、永續材質數量，而應重回初衷——讓世界透過服裝風格，看見台灣。時尚（髦）從來不是比誰技術好，而是誰能用一件衣服說出一個靈魂故事。
4. 產業迷思──當「技術」凌駕「故事」
台灣的時尚與紡織產業長年陷入一種結構性的誤區：誤以為只要技術夠新、功能夠強，就等於成功的設計。然而，真正能打動人心的設計，從來不是實驗室裡的發明，而是來自「人」與「故事」的共鳴。
4-1 素材至上，故事缺席
業界總是樂於誇讚自家的布料機能性多強、吸濕排汗有多優秀，彷彿只要數據漂亮，就是好設計。但他們往往忘了問：這塊布，有沒有可能成為一座城市的縮影？能不能承載一段土地的記憶？讓一個男孩成功地追上他心儀的女孩？衣服不只是科技的展示架，更該是人與文化的延伸線。如果設計只剩下性能而沒有靈魂，那它終究只是高規格的「裝備」，不是「穿著」。
4-2 教育脈絡斷裂
台灣的大學紡織科系教你怎麼測試布料的撕裂強度、怎麼寫物性規格書，卻不教你：這塊布在誰的身上會發光？它該進入哪種生活情境？時裝設計科講授服裝史與比例規則，但卻未必能引導學生如何把一塊客家花布轉譯為當代態度──不再只是文化符號的貼紙，而是一種穿上街頭的情緒力量。
4-3 市場試驗不足
許多人夢想著讓作品站上巴黎伸展台，走進米蘭 showroom，但卻從沒讓它先走一遭西門町的街頭。產品還沒經過任何市場的磨合與實穿檢驗，就被送往國際舞台，結果自然是叫好不叫座。也許更務實的做法，是從一場夜市邊的快閃試穿開始，感受路人真實的眼神、語言與選擇。當你能在台灣的街道打動人心，再談出海，才不至於漂浮。
設計從來不是「做出一件漂亮產品」這麼簡單，它是讓技術、文化、場景與人產生連結的過程。如果我們始終把「技術」當成終點，而不是讓它服務於情感與敘事，那再多的文化創新也只會成為產線上的孤島（標案自嗨長官好），不會成為時代的語言。
5. 科技與傳統的拔河：當 AI 無法理解人情味
在設計圈，越來越多人嘗試將 AI 導入創作流程，期待它能「理解台灣（人）味」、甚至在未來取代人類的直覺與審美。但這樣的期待，實在太過天真。AI 可以在幾秒內生成上百組配色與視覺草圖，但它永遠無法回答：為什麼這個配色能讓在烈日下跳舞的夜市攤販停下腳步？又或者，能否觸動一位午夜工廠女工多年未說出口的情緒？
當遠東集團還沉迷於「物性指標」、性能數據與可編程纖維，我們其實更該問的是：AI 能否量化「美感」？能否建構「情感記憶模型」？能否從成千上萬的布料中挑出最適合說故事的那一塊？目前沒有技術能回答，因為那不是資料訓練能達成的，而是人類生活經驗的產物。真正的美感，是從文化與生命交會中長出來的，它需要泥濘與混亂，需要記憶與錯誤。
我最近看到文化內容策進院的一個合作提案，初衷誠懇，方向正確，但執行方式與條件卻讓人遺憾——動機是解決產業痛點與創造文化經濟，實際卻淪為一場「理論第一名、驗證最後一名」的花錢展示。殺雞用牛刀，搭錯交通工具，熱血企劃最終流於 PPT 美學，設計現場一點也沒被照顧。
科技與傳統從來不是二選一的難題，而是一場關於「對話」與「調和」的思維挑戰。我們在談創新，但真正的挑戰從來不是「我們擁有什麼工具」，而是「我們是否知道該問什麼問題」。只有當問題對了、場域對了、節奏對了，技術才可能真正成為設計的助力，而不是另一次資源錯置。而這，正是台灣設計產業現在最急需重構的邏輯與方向。
6. 設計人的隱形戰場：靈感，不只是技巧的副產品
在大多數人眼中，設計似乎只是會用幾套繪圖軟體、能排版、能配色，就能產出的「技能型職業」。平面設計是把圖層疊一疊、字型選一選；服裝設計是畫草圖、剪紙樣、秀給人看。他們看見的，是螢幕上的成品，卻看不見背後的深層結構與思維戰場。
真正養成一位設計師的，從來不是哪門課程、哪張證書，而是活生生的人生經驗。靈感的根本，是來自一個人對城市的敏銳觀察、對社會的感受力、對文化的內化與轉譯能力。設計師需要跨文化的視角，也需要走過矛盾與混亂，才能從中長出有機的創作語言。而市場對這一切的理解，卻仍停留在極度表面。更糟的是，它低估了設計背後的「系統性與複雜度」，讓整個產業長年陷入速成與空想的循環。
設計的三大隱性戰場：
6-1 企劃規劃是戰略書，不是裝飾用簡報
一份真正具說服力的設計企劃書，往往超過數十頁，不只是 moodboard 而已。它涵蓋風格定位、TA 輪廓、訊息傳遞策略與視覺敘事邏輯，必須既有美感，也有商業（工業）推進力。
6-2 視覺呈現是協作工程，不是單人創作
從初期草圖、mockup、樣衣製作、實體打樣，到攝影、素材轉化與展示，每一步都牽涉多方協作與反覆調整。真正的設計從不可能一次到位，過程就是在「實驗中管理風險」。
6-3 時間成本是真實門檻，不是浪漫藉口
一個服裝系列從靈感發想到商品落地，少說三個月，還不含試產、測試與行銷預熱。如果品牌願意為此投入，就能培養出屬於自己的敘事節奏；反之，一味催促「快速上架」的結果，往往是風格蒸發、理念崩塌。
正是因為這些隱形環節極度仰賴設計師的經驗密度與邏輯厚度，台灣時裝產業在青黃不接之際，才特別容易陷入「有創意，卻沒辦法落地」的惡性循環。當創意被簡化為「畫圖工具」的運用，而非來自真實世界的提煉與系統整合，那些好點子終將變成被冷凍的幻覺──無人接手、無人理解、無人落實。因為設計從來不是只有操作能力的展現，而是價值、經驗、轉化與時間的總和。
7. 美學教育與設計產業的無聲危機
在台灣，「美學教育」長期被邊緣化，常被當作課表上的點綴──畫畫、音樂、戲劇，被視為「有時間再上就好」的選修，永遠比不上科學、工程、管理這些能創造產值的「硬學科」。但事實是，沒有深厚的美學底蘊，設計人就像失去航向的船長——擁有技術，卻不知目的地。在產業結構急遽轉變、AI 正在重塑創意工作的此刻，台灣設計教育卻依然卡在二十年前的思維框架，這場無聲的危機，正在慢慢拖垮我們的創新力與競爭力。
7-1 教室與市場嚴重脫節
許多設計系、美術系仍以素描、色彩學作為訓練核心，忽略了商業世界的語境轉變。學生花四年練習畫得「像」，卻未曾思考如何讓作品「動人」。等到畢業進入第一份工作，才發現手上技能難以對應市場的高強度節奏與轉換需求，紙上談兵無法應付現實專案。
7-2 缺乏跨域整合與協作訓練
一個完整的時尚與設計生態，從來不是單一創作者能完成的，它需要：品牌策略師、市場分析師、PR、公關、文案、攝影、造型、甚至程式開發者。但在台灣教育體系裡，這些角色彼此隔絕。每個人都在自己的小專業裡埋頭苦幹，卻沒有人被教導如何協作，如何理解別人的語言，如何讓自己在團隊中成為加分的連結點。
7-3 資源錯配，教育變成展示場
各大設計系所年年斥資添購高階硬體：3D掃描儀、雷射切割機、AR頭戴裝置……但現場師資缺乏轉譯與應用能力，學生也只能自行摸索軟體操作。設備最後變成「開學參觀用展示品」，而非真正進入學生作品的養分。
7-4 美感訓練只停留在表面
當課程仍然停留在「怎麼畫一條線、怎麼配一組色」的層次，而忽略「為何這樣畫？」「這個配色背後對誰說話？」「它承載哪個文化的情緒與脈絡？」缺乏批判與思辨的訓練，美感就淪為裝飾性的工具，而不是策略性的力量。
7-5 解方不是更多設備，而是重構思維
我們不缺工具、不缺技術，缺的是能把「美感」與「世界」連結起來的思辨框架。唯有從教育本體出發，砍掉多餘的設備預算，把資源用在建立「跨域實作」與「批判式思考」的訓練上，讓學生在真實的商業脈絡中思考、討論與創作，未來才有可能出現能夠落地、夠深度、又有風格的創新設計。設計不能只教你怎麼動手，也要教你為誰、為何、為什麼而創作。這才是教育真正該回答的問題。
8. 財富與審美話語權的悖論
「誰出錢誰定義風格」，正在消音真正的美學創意
在理想狀態下，時尚應該是多元與自我的展現。但在現實裡，當資源與財力被視為衡量設計價值的唯一標準，真正來自生活現場、文化邊緣與個人經驗的美學聲音，反而被慢慢消音。
威武的長官、會教的野授、富裕的董事長、集團贊助商，往往用一句「我出錢（權），你聽我說」簡單粗暴地左右了整個產業的審美走向。他們可能沒參加過一次市集、沒看過 Z 世代的街頭穿搭，卻憑一己好惡定義了什麼叫做「有質感」、「夠設計」、「能出國」。
8-1 風格定義的集中化
台灣時尚場域中，風格越來越集中在少數資金掌控者手中。他們自詡為美學仲裁者，卻往往以個人（熟）品味作為唯一標準，壓縮了市場的想像力，讓許多有潛力的實驗性風格根本無法被看見，更別說被接受或資助。
8-2 話語權的失衡
當政府機關、制度或贊助商掌控了評審席、獎助名單與曝光平台，設計師的創意常常淪為「對方 QC 清單」下的微調技術。他們不再被問：「你想說什麼？」而是：「這個 logo 能不能放得大一點？」
8-3 審美自主的消失
消費者最終也只能在政府與企業制定的美學樣板中選擇──買單、模仿、沉默。當每一季都在被教育「這才是對的穿法」、「這才是高級的設計」，大眾對於自我風格的探索空間便越來越小，最終變成為了「符合別人期待」而穿衣的行銷模型。
這樣的「資本決定美感」邏輯，正在一點一滴侵蝕台灣時尚（藝術與設計）產業的多元性與創造力。它讓底層的創意無處伸展，也讓真正想透過穿著表達立場、身份與信仰的設計者，失去了發聲的空間。當美的定義只由金字塔頂端決定，我們失去的不只是創意自由，而是整個社會對「美好生活的想像力」。
9. 風格的缺席，是臺灣設計最大的原罪
台灣從不缺技術、不缺資源、不缺專利，甚至不缺各種獎助與產學合作。我們缺的是一種更根本的決心——願意為「風格」冒險的勇氣。
長年以來，從教育體制到產業研發，主導邏輯始終傾向「功能至上、專利掛帥」：布料要能吸濕排汗、防潑水、抗 UV、調節濕度……彷彿只要性能夠強，設計就能自我成立。但從來沒有人真正去問：這樣的衣服，誰會想穿？它為什麼能打動人心？
從來沒有一塊高科技布料，能像一件黑色皮衣那樣，直接嵌入一個人的個性、態度與人生階段。也少有哪家大廠真正去思考過：什麼樣的剪裁與輪廓，能夠貼近東亞濕熱氣候的身體感？什麼樣的造型語言，可以成為日常生活的文化象徵，而不是週年慶折扣架上的機能孤島？
我們總以為問題出在「材質不夠新」、「功能不夠強」，但其實問題是——
我們還不懂，怎麼用這些材質說一個好故事。風格從來不是在報告裡長出來的。它來自選擇、來自立場、來自生活的情緒與文化的共鳴。
真正強的品牌，不是靠技術說服人，而是靠風格讓人停下腳步、回頭看、然後說一句：「我懂。」但如果我們繼續迴避風格，只談技術，只談補助，只談規格與性能，那麼再多的創新，也不過只是下一個年度報告裡的數據，而不是下一段世代故事的開端。
10. 品牌不是拿來比機能的，是用來說：「我相信什麼」
在台灣，談設計的時候，大家最常問的不是：「它有風格嗎？有故事嗎？」而是：「這件多少？CP 值高不高？功能好不好？耐穿嗎？」
設計被當成超市貨架上的選項──比的是價格，不是態度；看的是機能，不是靈魂；追的是便宜，不是審美。 但一件真正打動人的作品，從來不是因為它便宜，而是因為它幫一個人說出了他的選擇與立場。
品牌不是來討好所有人的，而是來表態的。它的存在，是在告訴你：「我相信這樣生活是對的，值得被看見，也值得存在。」當你穿上一件衣服，不只是穿防風、防水、防曬的材料，你穿上的是一個觀點，一種信仰，一個對生活方式的回應。可我們的市場習慣反其道而行——要品牌壓低價格、配合補助、滿足報告上每一項 KPI，最後做出來的不是風格，是一堆規格。
當然，技術本身有價值。但你看過哪一張規格書，能像一件好剪裁的外套那樣，讓你在夜裡多看自己一眼？你記得哪項數據勝過一個令人難忘的造型輪廓？風格不是奢侈，是一種人與世界的默契。而品牌的責任，就是把這份默契說清楚，立得直白。
11. 最後，當我們富有到只剩下錢的時候，誰還敢對你說真話？
當我們在「皮衣教條」與「科技迷思」之間來回游移，才驚覺： 一件夾克的價值，不只是防風保暖，也不只是來自專利的數據堆疊。 它真正承載的，是穿著者的靈魂、脈絡與故事。
唯有當台灣的紡織實力，真正與那缺席已久的時裝敘事相遇， 我們才能迎來一個既有溫度、也有深度的設計時代—— 不只是材質在飛，而是文化與想像力一起起飛。
但當我們富有到只剩下錢的時候， 會不會，連一句真話，也沒人敢說出口了？
本稿內容由作者本人初步擬定核心觀點、內容語句與段落架構，經 ChatGPT-4o 系統協助進行語言調整與敘事優化後，最終由作者人工審閱與校正，整體撰寫作業約耗時兩小時完成。
Damur Huang
Berlin
26/05/25